Le
Festival international du film d'animation d'Annecy
1993
A
raison de vingt-quatre par seconde, il faudrait mettre “ en
boîte ” pas moins d’un milliard cinq cent treize
millions sept cent vingt-huit mille images pour réaliser un film
qui durerait les deux années séparant deux festivals d’Annecy.
Mais on parle de plus en plus de faire passer la manifestation à
un rythme annuel. Même si le succès du MIFA (marché
international du film d’animation) serait le premier à justifier
cette périodicité accélérée, les festivaliers
seraient tous enchantés, sans parler des comités de sélection,
qui ont dû choisir cette année parmi plus de mille films.
Quatre longs métrages
Porco Rosso (Kurunai no buta) de Hayao Miyazaki semble prendre
à la lettre l’expression anglaise “ when pigs
fly ” (“ quand les poules auront des dents ”) :
dans le ciel de l’Adriatique, pendant les années vingt, le
cochon Marco Porcellino combat, à bord de son hydravion, le pirate
de l’air américain Curtis pour prouver son amour à
la belle Gina. La perfection du dessin de Miyazaki, son sens de l’animation
du vol — omniprésent dans son œuvre, de Nausicäa
à Kiki en passant par Laputa château dans le
ciel et Mon voisin Totoro —, son humour… vache
(!), sa sensibilité européenne et la fidélité
de sa reconstitution partiellement imaginaire de l’Italie fasciste,
font de Porco Rosso une révélation .
Le prix du long métrage qui lui fut attribué, s’il
était amplement mérité, était rendu évident
par la piètre qualité des concurrents. Danger pleine
lune (Motyli cas) de Bretislav Pojar est un film pour jeune public,
en prises de vues réelles. Alex, petit garçon solitaire
et rêveur (au cours d’une jolie scène, les chiffres
d’un problème s’animent sur le tableau de l’école),
reçoit de son père qui travaille en Afrique des cocons qui
se transforment en superbes papillons. Le plus grand est une fée,
Ourougou, avec laquelle Alex va vivre bien des aventures. Papillons et
fées sont des marionnettes gentiment animées par Pojar,
disciple de Trnka, mais l’ensemble est mièvre et sans rythme.
Quant à la morale — il vaut mieux vivre par soi-même
et sans tricher —, elle est si prévisible et convenue qu’elle
ne peut atteindre son but.
On eut à déplorer la version française du film de
Pojar, mais que dire de la présentation de The Tune sans
sous-titres, alors qu’il était simultanément diffusé
sur Arte sous-titré ? Faux long métrage, The Tune additionne
de nombreux films courts, de création ou de commande, réalisés
par Bill Plympton, essentiellement pour MTV. Une “ sauce ”
plus ou moins habile fait le lien en prétendant raconter la recherche
de LA chanson “ standard ” par un musicien en mal
d’inspiration. The Wiseman et Push Comes to Shove,
montrés à Annecy en 1991 font donc ici une seconde apparition
dans cet amalgame parfois bancal.
Under Milk Wood de Les Orton multiplie les insuffisances et les
contresens. Toute la démarche des animateurs semble consister à
aplanir, affadir la pièce de Dylan Thomas. Le texte, avançant
par associations d’idées et homophonies, réclamait
un graphisme inventif et un univers toujours surprenant ; on nous
inflige au contraire un dessin d’un réalisme conventionnel
et l’illustration redondante d’un texte admirablement lu par
Richard Burton, mais amputé de passages entiers, parmi les plus
délirants (comme la déclaration d’amour du drapier
Mr Edwards). Seule “ audace ”, lorsque Captain Cat,
aveugle, écoute les enfants et les imagine, le dessin change de
style : à cet instant, Les Orton a effleuré la nature
de la pièce — l’oreille, contrairement à l’œil,
n’impose aucune limite à l’imagination.
Royaume-Uni
: dix films, huit prix et un Cartoon d’or
Depuis plusieurs années, la Grande-Bretagne domine la production,
au point que les cinq finalistes en lice pour le Cartoon d’or du
meilleur film européen étaient tous anglais ! Quatre
d’entre deux étaient coproduits par Channel 4, signe que
l’avance britannique est en grande partie due aux très nombreuses
commandes de la chaîne indépendante lancée fin 1982,
à laquelle Annecy rendait hommage cette année par une rétrospective
permettant d’en mesurer l’importance, puisque l’on pouvait
y revoir des films divertissants, innovants, expérimentaux, depuis
The Snowman de Diane Jackson (l’un des premiers films commandités
par la chaîne, et que les Français ont pu enfin découvrir
sur leurs écrans à Noël dernier) jusqu’à
Father Christmas de Dave Unwin (qui remporta cette année
le prix du film de télévision), en passant par les films
ésotériques des frères Quay, le mythologique Black
Dog d’Alison De Vere, le génial Alice de Jan
Svankmajer, l’hilarant Creature Comforts de Nick Park,
roi de la plasticine façon Aardman, studio auquel étaient
consacrées, pour ses vingt ans d’existence, une exposition
et une rétrospective. Cofondateur du studio, Peter Lord proposait,
dans Adam, une lecture particulière de la Genèse
en pâte à modeler. Lorsqu’il se voit annoncer la compagnie
qu’il réclame, le pauvre Adam se prépare coquettement
et se trouve bien décontenancé lorsqu’apparaît
une… pingouine ! L’hilarité provoquée par
ces six minutes et leur chute méritait bien la mention spéciale
du jury pour l’humour et le prix du public. C’est à
peine terminé que The Wrong Trousers de Nick Park était
présenté en avant-première. Un pingouin, proche parent
du compagnon d’Adam, y vient troubler la tranquillité
de Wallace et Gromit, les héros de A Grand Day Out. Une
comédie policière toujours drôle et parfois haletante
(lors d’une poursuite en train électrique sur une musique
de Bernard Herrmann).
Mark Baker réitère la réussite de The Hill Farm
avec The Village, qui donne à Under Milk Wood
une leçon de gestion de l’espace, tant son hameau circulaire
est un cadre idéal pour cette histoire de gens également
ronds qui s’épient, se volent, se cachent, se trompent. Son
sens de l’observation et la finesse de son analyse psychologique
contribuent à un humour subtil motivant un Prix spécial
du jury d’Annecy, suivi en septembre du Cartoon d’or européen.
Avec la même poésie, la Belge An Vrombaut réussit
un premier film magistral : Little Wolf raconte comment
quatre loups essaient de porter secours à un louveteau qui s’est
imprudemment accroché à la lune, tandis que passe sous leur
nez un mouton monté sur ressorts dont l’esprit n’est
pas sans rappeler les Shadoks. Ce film aussi drôle que
beau a reçu le prix de la première œuvre et celui du
ministère de l’Agriculture, dont le discernement est sans
faille année après année. Moins intéressant,
Portly’s Hat, premier film de Loraine Marshall est une
comptine pour enfants dont l’histoire de pingouin se faisant voler
son chapeau par une mouette s’accorde bien avec le dessin maladroit.
Même adéquation entre le sujet de The Mill, premier
film de Petra Freeman, qui fait évoluer un essaim d’abeilles,
et son traitement pointilliste. Même correspondance encore entre
le contenu de Screen Play de Barry Purves — une scène
de Nô, un narrateur qui procède par flashes-back, un récit
japonais sanglant — et son traitement — marionnettes sur une
scène tournante permettant de très ingénieux et admirables
changements de décors (d’autres audaces marquent ce film :
le recours constant au langage des sourds-muets, un plan-séquence
de neuf minutes, une marionnette masculine nue…). A la fin de ce
film qui reçut une mention spéciale pour la qualité
artistique, l’auteur met littéralement la dernière
main au film : la sienne entre dans le cadre, referme le storyboard,
laissant entrevoir à l’arrière-plan des cartes postales
d’Annecy… Le film de marionnettes est sans doute celui qui
se prête le mieux aux atmosphères oppressantes. Le contraste
entre celles de Marjut Rimminen et les dessins de Christine Roche dans
The Stain en est la démonstration, le graphisme traduisant
l’imaginaire et le rêve, les marionnettes vivant quant à
elles une intrigue compliquée sur fond d’inceste, débouchant
sur le suicide des deux jumeaux dont la destinée n’a rien
à envier aux fins tragiques décrites par Peter Greenaway
dans Z.O.O. et David Cronenberg dans Faux Semblants.
Particulièrement dérangeant, The Sandman, première
œuvre de Colin Batty, Paul Berry et Ian Mackinnon, évoque,
dans un expressionnisme très sombre, le personnage du marchand
de sable, marionnette au long nez pointu, qui vient arracher les yeux
des enfants pour les donner à manger à ses rejetons dans
leur nid sur la lune. Cette habile traduction des angoisses de l’enfant
remporta le prix du ministère de la Jeunesse et des Sports en plus
du Premier Prix du court métrage.
The Kings of Siam de Ged Haney, au graphisme entre Margerin et
Pétillon mais dégageant curieusement une agressivité
désagréable, évoque sans originalité deux
frères siamois de foire rêvant d’une vie séparée
— l’un footballeur, l’autre chanteur de rock. Quant
à Spotless Dominoes de Philip Hunt, son récit fastidieux
anéantit l’indéniable intérêt plastique
de ses marionnettes, animées dans le plus pur esprit des frères
Quay.
Canada
: deux bavards et deux muets
Face à l’écrasante domination du Royaume-Uni, le Canada
semble désormais en retrait. Certes Frédéric Back
était de retour, mais la remarquable économie de L’Homme
qui plantait des arbres est absente de son ode emphatique au Saint-Laurent
qui a remporté le Grand Prix. Vaste fresque racontant l’histoire
de tout un pays à travers l’évocation épique
de son cours d’eau géant et de toute la vie qui en découle
ou en dépend, Le Fleuve aux grandes eaux inflige à
ses images superbes, portées par le grandiose du sujet, un texte
omniprésent et ultraredondant. Très bavard aussi, mais utilement
cette fois, Pearl’s Diner de Lynn Smith donne à
entendre les discussions de camionneurs au sujet de la vie sentimentale
de l’un d’eux, sur des gros plans de visages composés
à partir de collages hétérogènes.
Sans aucun dialogue au contraire, L’Ours renifleur narre
les déboires d’un ours polaire “ accro ”
à l’essence. Un hibou et un phoque vont le faire cesser de
sniffer son jerrican. La technique employée — des papiers
découpés évoluant dans l’espace par la grâce
de l’animation 3D — et un sens aigu de la lumière font
de ce nouvel opus de Co Hoedeman un délice. Plus trivial, No
Problem de Craig Welch met un vieux célibataire aux prises
avec les deux extrêmes indisciplinés de sa personnalité
— un pervers impulsif et un homme du monde raffiné. L’absence
de dialogue laisse ici libre cours à une très suggestive
pantomime dessinée.
États-Unis
: 3D, quatre animaux, une mouche et… Poe
C’est aux États-Unis qu’échut la mention spéciale
pour les images de synthèse, attribuée à Gas
Planet d’Eric Darnell, qui sut enfin dépasser la simple
démonstration des capacités de l’ordinateur pour offrir
un véritable univers et un propos distrayant : des bestioles
aux yeux globuleux, plutôt amorphes, inhalent à l’aide
de leur trompe des bulles de gaz qui s’échappent du sol et
dont les effets sont variés. Quoique un peu pétomane, ce
court sujet n’est jamais vulgaire mais toujours drôle. Monty
de Michael Sporn est un conte dont le charme emporte l’adhésion :
chaque jour pour aller à l’école le canard, le lapin
et la grenouille traversent la rivière sur le dos du crocodile
Monty. Las des critiques de ses passagers, ce dernier décide de
prendre des vacances. Les trois amis cherchent en vain des solutions,
jusqu’au retour de Monty, dont ils savent désormais apprécier
les services. Le style naïf d’illustration pour enfants dissimule
un humour malicieux qui donne plus d’ampleur au propos. Moins convaincants
sont les dessins sur papier de Wormholes de Stephen Hillenburg,
qui donne à voir le monde déformé à travers
l’œil d’une mouche et d’obsédantes formules
mathématiques, et Mummer d’Alexander Sokoloff, adaptation
par diverses techniques du Masque de la mort rouge de Poe.
Russie
: cinq scies et un dragon
Adaptation littéraire également que The Dream of A Ridiculous
Man d’Alexander Petrov d’après Dostoïevski,
Premier Prix du court métrage ex-æquo avec The Sandman.
Si la virtuosité graphique de la peinture sur verre ne laisse pas
d’évoquer une certaine peinture académique russe (celle
de la désastreuse réforme pétrovienne), le propos
optimiste de cette nouvelle — le rêve d’un homme qui
a décidé de se suicider le fait changer d’avis —
s’écarte des désespoirs et angoisses soviétiques,
dont il reste des traces dans Hypnerotomahia d’Andreï
Svislotsky, qui enchevêtre plusieurs rêves (d’un homme,
d’une femme et d’un chien) où des loups-garous traversent
des décors à la Folon rendus oppressants par d’hideuses
teintes rouges et vertes et la laideur d’une musique obsessionnelle.
Le nom du réalisateur sert curieusement de titre au nouveau film
d’Igor Kovaliov, Andreï Svislotsky. L’image
grise, un peu floue et tremblotante qui agaçait déjà
dans Sa femme la poule sert ici encore de matière à
une amphigourique vision de la banalité quotidienne.
Ni Sergueï Ainutdinov dans Aoutizme, ni l’Ouzbek Vladislav
Fesenko dans I Go Seek ne parviennent vraiment à exprimer
l’isolement d’enfants (dans l’autisme, dans le jeu),
tandis qu’avec The Song of Wolfgang The Intrepid, The Glorious
Destroyer of Dragons, Mikhail Tumelya joue dans la sélection
russe le rôle de bouffon qu’endossait si bien Garry Bardin
en 1991. Dans des décors soignés, ce Biélorusse élève
de Norstein et Nazarov fait évoluer des personnages plus proches
d’un Bozzetto. Wolfgang va affronter un grand dragon ; celui-ci,
ne daignant pas se réveiller en dépit des injonctions impatientes
du preux chevalier, finit par éternuer, carbonisant du même
coup le héros.
Europe
de l’Est : cinq pays troublés
Si cette dix-neuvième édition des JICA était la première
occasion pour les Russes de montrer à Annecy leurs productions
d’après le communisme, les anciens “ satellites ”
renouvelaient pour leur part leur bail de liberté. Le Hongrois
Géza Tóth célèbre cette libération
dans son film de fin d’études, A patkányfogó
(Le Charmeur de rats), adaptation de l’histoire du joueur de
flûte de Hamelin. Né en 1970, Tóth témoigne
d’une parfaite maîtrise de l’animation de cellulos :
il parvient ici à donner l’illusion de gravures sur bois
découpées et animées, technique très appropriée
à l’illustration d’un conte. L’Estonien Priit
Pärn semble traduire dans Hotel E la perplexité des
Baltes devant leur situation géopolitique (entre deux mondes, à
la fois courtisés par les pays scandinaves et délaissés
par l’Occident, liés aux Russes par un passé dont
ils veulent se couper…). Si l’on peut appeler “ histoire ”
ce patchwork d’impressions utilisant quantité de techniques
d’animation (peinture à gros coups de pinceau, effets pastels
post-punks dignes du groupe Bazooka, ralentis…), son histoire est
celle d’un individu qui vit entre légende et réalité,
entre Est et Ouest, entre sa maison et l’hôtel, et qui a bien
du mal à passer la frontière entre deux systèmes.
Construit en trois parties (Breakfast, Lunch, Dinner), la coproduction
tchéco-britannique de Jan Svankmajer, Jidlo (Food), est
une protestation contre la faim et le gaspillage et, au-delà, contre
certains fonctionnements politiques et sociaux, qui manque de concision.
Au petit déjeuner, un homme se sert auprès d’un distributeur
de nourriture humain, avant de devenir à son tour passe-plats.
Au déjeuner, les clients d’un restaurant, ne parvenant pas
à être servis, mangent tout ce qui se trouve à leur
portée : le bouquet de fleurs, leur mouchoir, leurs chaussures
et tous leurs vêtements, la nappe et pour finir la table elle-même.
Au dîner, avec force condiments et sauces, un homme mange son bras,
un sportif sa jambe, une femme ses seins, un homme nu son sexe. Toute
la cruauté délirante de Svankmajer caractérise ce
film de pixillation et pâte à modeler, sans pourtant renouveler
les trouvailles des Possibilités du dialogue (il y parvenait mieux
il y a deux ans avec La Mort du stalinisme en Bohème).
Le dernier festival du film d’animation de Zagreb se déroulait
dans une Croatie en situation de guerre. Dessiné d’un trait
simple et efficace, I Love You, Too de Josko Marusic témoigne
en une minute de l’absurdité de ce conflit. Un vieux couple
est confortablement installé dans son salon ; chaque fois
que l’homme ouvre la bouche pour s’adresser à sa femme,
une partie de la pièce vole en morceau dans une formidable explosion,
jusqu’à ce qu’il parvienne à prononcer “ I
love you ”, à quoi elle répond “ I
love you too. ” Mais il ne reste plus que ruines autour d’eux.
Prometheus du Hongrois Marcell Jankovics est une parabole sur
la flamme qui anime nos vies et que nous portons en nous ; l’homme
qui court vieillit à mesure que sa torche se consume, et meurt
dans l’obscurité. Dans We Are Men, l’Ukrainien
Mikhail Titov adapte Othello en “ pièces détachées ”
(un nez, un œil, une oreille, une bouche) avec un résultat
vulgaire et repoussant.
Quatre
parfums exotiques… inodores
C’est assez curieusement une esthétique “ pays
de l’Est ” que développe, au fusain sur papier,
le Sud-Africain William Kentridge dans Sobriety, Obesity And Growing
Old, peu convaincant car aussi charbonneux narrativement que graphiquement.
Shelf Life de l’Australien Andrew Horne brosse le portrait
d’un petit épicier qui se plaint de ne plus faire d’affaires,
alors que ce qu’il nous montre de son magasin (dont la date limite
est sans doute dépassée) est plutôt décourageant.
La question principale posée par ce film est pourquoi recourir
à l’animation de marionnette quand on se contente de filmer
un personnage inexpressif en plan américain pendant quinze minutes ?
The Nightwatchman, premier film du Néo-Zélandais
Joe Wylie, met un personnage aux allures de cucurbitacé inesthétique
(et très éloigné du burlesque Concombre masqué
de Mandryka) aux prises avec des insectes géants dans l’usine
d’insecticide où il est veilleur de nuit. Avec un dessin
d’une rare pauvreté et un sujet sans aucune originalité,
ce film est la plus grande énigme de la sélection, tandis
que le choix du maladroit In Quest Of Magic de Yu-Sung Feng s’explique
simplement par sa projection dans le programme pour enfants, où
la morale édifiante de ce conte chinois faisait bonne figure.
France
: un vétéran, deux débutants, quelques bidouillages…
Pièces détachées encore, les doigts, mains et bras
qui font l’essentiel des constructions biolabyrinthiques censées
traduire les circonvolutions d’une mémoire au travail dans
Ex memoriam de Bériou, bidouillage à l’ordinateur
2D et 3D à partir d’images vidéo et de polaroïds.
Gageons que ce film ne restera pas gravé dans les mémoires…
Le vétéran de l’animation expérimentale Piotr
Kamler livre dans Une mission éphémère une
animation de volumes géométriques (dans une espèce
de bol, des cubes se transforment en un extra-terrestre “ à
la recherche de l’âme du monde géométrique ”)
qui distille quelque peu l’ennui. Très divertissant au contraire,
Le Wall de Jean-Loup Felicioli met en scène deux personnages
de pâte à modeler qui érigent un mur pour faire obstacle
à leur mutuelle agressivité. Parfaitement animés
sur fond blanc, leurs mouvements sont soulignés par des codes graphiques
empruntés à la bande dessinée et peints sur une paroi
de verre placée devant eux. La musique de Serge Besset renforce
efficacement le comique.
L’amour est un poisson pourrait être le curriculum
vitae imaginé par le débutant qu’est son auteur Eric
Vaschetti, tant celui-ci semble s’évertuer à dresser
un catalogue de techniques et de styles pour raconter cette histoire d’une
femme qui tente d’échapper à la présence permanente
d’un poisson incongru à ses côtés. Autre première
œuvre, I Love You My Cerise de Valérie Carmona,
produit par Jean-François Laguionie, est aussi homogène
qu’agréable à regarder — c’est-à-dire
peu.
Plus confus que réellement inesthétique (quelques beaux
essais de calligraphie figurative), Etude n° 11, opus 25 d’Agnès
et Jean-Loup Chirol est un bien mauvais traitement infligé à
Chopin au nom de “ l’amitié franco-polonaise ”.
Beaucoup plus beau, Le Criminel de Gian Luigi Toccafondo raconte
en dessins sur papier la cavale du criminel à travers la ville.
Cette superbe mise en couleurs d’une ambiance sortie tout droit
de M le maudit confirme l’admiration suscitée en
1991 par La pista.
Europe : la Nippo-Italienne, le Roumano-Danois
et les autres
D’un style proche de celui du Criminel, la peinture animée
sur cellulos de La Course à l’abîme du Suisse
Georges Schwizgebel est superbe. L’histoire de l’animation
suisse, de 1920 à nos jours, était résumée
dans Alchemia, un montage de vingt-six minutes issu d’une
série de douze moyens métrages (sous le titre générique
Le Film du cinéma suisse) supervisés par Freddy
Buache pour fêter le sept centième anniversaire de la Confédération
helvétique. La réalisation de ce patchwork du cinéma
d’animation suisse depuis Julius Pinschewer a été
confiée à Ernest Ansorge, l’un de ses créateurs,
qui n’a pas oublié de se gâter copieusement.
L’Italie était représentée par Stagioni
senza parole de Yusaki Fusako, qui transforme et fait s’enchaîner,
par associations d’images et d’idées, des feuilles,
fleurs, arbres et animaux de pâte à modeler, bien moins convaincant
que Trailer de Guido Manuli, qui repose sur le postulat (proche
de la réalité) que les animateurs européens, faute
d’argent, ne peuvent réaliser que la bande-annonce de leurs
films. Trailer est censé faire la promotion du film (imaginaire,
donc) intitulé Hotel, dont l’aperçu qui nous est donné
ne nous fait ressentir aucune frustration : cette histoire de morve
géante ne trouve sa justification que dans la chute ambiguë,
quand Mickey vient offrir à l’animateur qui présente
les bandes-annonces… une entrée à EuroDisney !
A l’humour de cet ancien collaborateur de Bozzetto, on pourra préférer
le grotesque sombre développé par le Belge Bruno Wouters
dans The End Again. La première réalisation, assez
réussie, de ce collaborateur de Picha est l’histoire d’un
vieil homme las de vivre dans la grisaille, au milieu de gens indifférents.
Lorsqu’il se jette à l’eau pour mettre fin à
cette morne existence, la foule plonge avec lui… Autre révélation,
le nonsense surréaliste de Semper idem, premier film de
l’Allemand Joachim Bode, carnet de croquis (dessin sur papier) décousu,
d’inspiration proche des Toup-Toup et autres Journal
intime de Dragic, et au style graphique hésitant entre le
Segar d’avant Popeye (celui du Thimble Theater) et le trait
si particulier du maître néerlandais Paul Driessen. Lequel
provoqua encore une fois l’hilarité (mais ne reçut
aucun prix) avec la logique implacable d’un monde absurde :
The Water People est en effet la truculente description d’un
village entouré d’une digue retenant l’eau à
l’intérieur, et où chacun vit imperturbablement sous
l’eau, ce qui implique des situations comiques lorsqu’il s’agit
de faire griller des toasts, d’étendre le linge à
sécher, de servir une tasse de thé… A l’extérieur,
dans un désert aride, d’autres gens vivent avec le sable
comme avec l’eau (plongeant dans une piscine de sable, prenant une
douche de sable…), tandis que Noë attend que l’eau veuille
bien mettre son arche à flot.
Installé depuis 1985 au Danemark, le Roumain Mihail Badica adapte
un conte d’Andersen, Le Briquet magique, dans la plus pure
tradition des marionnettes des pays de l’Est. Fyrtøjet
est ainsi le produit — un peu longuet cependant — d’un
enrichissant mélange de cultures. Dans Manansiktet, les
Suédois Anna Höglund et Nils Claesson livrent sans grande
originalité de trait la tragique histoire de Face de lune, victime
d’un voisin envieux et malveillant, dont le rire obsédant
horripilera tout spectateur.
On retiendra de Cerise, première œuvre d’Eva
Visnyei (Belgique), que parmi les nombreux collages qui la constituent,
apparaît un élément découpé dans une
notice de vidéocassette. Récurrence symptomatique (déjà
aperçue dans Jidlo de Svankmajer) sans doute de l’évolution
des techniques, certainement de la situation de la diffusion du cinéma
d’animation : jamais (ou presque) projetés en salle,
les films circulent sur les magnétoscopes des professionnels, avant
d’être, avec un peu de chance, diffusés sur le petit
écran*. Annecy demeure une des rares oasis privilégiées
où l’on peut voir ces œuvres dans des conditions décentes,
et l’on se plaît à imaginer un tel rendez-vous chaque
année.
Gilles
Ciment
(compte-rendu
publié
dans
Positif n°398,
avril 1994)
* Soulignons toutefois le fossé qui semble toujours davantage séparer deux mondes : celui de la création, rassemblé pendant le FIFA au centre culturel Bonlieu, où l’on applaudit Jan Svankmajer, Mark Baker ou Frédéric Back, et celui du commerce, réuni pendant le MIFA à l’Impérial Palace, où l’on s’échange des 26x26 ou des 52x6 (comprenez des séries de vingt-six épisodes de vingt-six minutes ou de cinquante-deux épisodes de six minutes) destinés à occuper des temps d’antenne pour jeunes publics. Symptomatique encore d’un état d’esprit, le catalogue promotionnel de trente-deux pages réalisé par France Télévision et estampillé “ Annecy 93 ” ne mentionne aucun nom d’auteur !